임근준(이정우) | leftovers of the contemporary

2017년 12월 31일

다단계 아웃소싱 구조를 통한 비정규직 청년/여성/이주민/외국인 노동자 착취를 근절합시다

다단계 아웃소싱 구조를 통한 비정규직 청년/여성/이주민/외국인 노동자 착취는 현대판 노예 제도나 다름 없습니다. 이를 악질 사회 범죄로 규정하고, 하루 빨리 근절하도록 모두 힘을 씁시다. 조금 가난하게 살더라도 함께 나누는, 더 나은 한국을 만듭시다.

# by Mikka_L | 2017/12/31 23:59 | 트랙백 | 덧글(0)

2016년 09월 30일

[작업에 관한 진술] 어둠 속에서 이야기하는 전후 한국/현대/미술: ‘모던한 것’과 ‘리얼한 것’과 ‘동시대적인 것’에 관해

어둠 속에서 이야기하는 전후 한국/현대/미술
: ‘모던한 것’과 ‘리얼한 것’과 ‘동시대적인 것’에 관해

임근준 AKA 이정우(Geun-jun LIM AKA Chungwoo LEE, 1971-)

01. 이 ‘강의 퍼포먼스’는 정상적인 강의가 아니다: 나는 세 차례의 ‘강의 퍼포먼스’를 통해, 국립현대미술관 과천관의 30년 역사와 대표 소장품과 한국현대미술사 연구의 주요 의제 세 가지를 중첩해보고자 한다. 의제 하나는, 한국현대미술의 역사에서 간헐적으로 분출해온 ‘리얼한 것’에 대한 충동이고, 다른 하나는, ‘모던한 것’에 대한 충동이며, 또 다른 하나는 ‘동시대적인 것’에 대한 충동이다. 일본의 미술평론가 사와라기 노이(椹木野衣, 1962-)가, 저작 <일본·현대·미술(日本·現代·美術)>(1998)에서 가운뎃점을 통해 일본과 현대와 미술의 변천을 중첩 사고했던 것처럼, 나는 국립현대미술관 과천관의 30주년을 기념해 전후 한국현대미술을, (전후) 한국/현대/미술로 빗금을 그어 사고해보자고 제안한다. 대개 미술평론가의 강의라고 하면, 연구를 통해 어느 정도 확신하게 된 바를 전달하는 자리가 되기 마련이다. 하지만, ‘강의 퍼포먼스’ 삼부작 <어둠 속에서 이야기하는 역사적 시선의 궤도>에서 나는, 확신할 수 없는 미지의 영역에 대해 이야기해보고자 한다. 그것도 대강당의 어둠 속에서. 가시성에 제약을 가한 상황에서 나는, 미술가가 세상을 보는 법, 눈에 비치는 세상을 미술가들이 다루는 법, 눈에 뵈지 않는 세상의 어떤 차원에 미술가들이 대응하는 법 등을, 불완전한 서사의 형태로 다뤄보고자 한다. 국립현대미술관 과천관 한편에 허락된 연극적 어둠을 빌어, 아직 가시화되지 않은 어떤 역사의 측면에 화답해보기를 희망한다. ‘강의 퍼포먼스’라고는 했지만, 이는 목소리로만 존재하는 연극적 텍스트의 단속적 흐름에 가까운 것이 될 공산이 크다. 이해를 돕기 위한 도판은 제공되지 않을 예정이다(비정상적 방법으로 제공될 가능성은 있다).

02. 한국현대미술의 역사를 돌이켜보면, 리얼한 것을 추구하려는 충동과 모더니티를 추구하려는 충동이 서로 교차하며 주요 변곡점마다 상충해온 것을 알 수 있다.

서구적 원근법에 의거해 리얼한 것을 추구하려는 충동은, 거의 언제나 성급한 토착화의 시도에 의해 전통(보다 정확히 말하면, 해당 시기에 전통적인 것으로 간주되는 요소)과 결합하는 모습을 연출해왔다. 근대화에 앞장선 중인 집안의 자제 고희동(1886-1965)이 일본 유학을 통해 양화기법을 습득한 이후, 위로는 역시 개화 중인 집안의 자제로서 독립운동에 기여한 서화수집-감식가 오세창(1864-1953), 아래로는 대부호의 아들이자 문화재 수집가인 전형필(1906-1962) 등과 교유하며 서화골동의 세계에 집착하는 가운데, 전통적 서화의 영역으로 복귀해 보수주의자의 입장에서 근대화된/현대화된 동양화를 시도했던 일이나, 김규진(1868-1933)이 사진술을 익히고 실행함으로써 사진적 리얼리티 이후의 전통 서화를 고민하고자 애쓰며 여러 후진을 양성했던 일, 그리고 소위 향토색 탐구가 유행하고 곧 이어 문명적 폐허로부터 새로이 출발하는 민족(주의)적 서사를 우회적으로 구현하려는 경향이 광범위하게 형성됐던 일, 과거의 어떤 신화적/가상적 시공을 때 묻지 않은 아르카디아(이상향)로 표현하려는 강박이 등장했던 일, 해방의 서사에 알리바이를 부여하기 위해 노동자와 농민 등 근로인민대중을 고통 받는 타자인 동시에 이상화한 혁명 주도 계급으로 묘사하고자 애썼던 일, 대다수의 화가가 근대적/현대적 미술가로서의 제 정체성을 묻는 자화상을 적어도 한 점씩은 그리지 않을 수 없었던 일, 모두 외래적 시각성의 토착화라는 미완의 과제를 하루빨리 완수해야 한다는 심리적 압박에 시달린 결과에 다름 아니었다.

서구의 리얼리즘 전통을 학습하고 체화해 그것에 상응하는 시각성 체제를 조선 혹은 동아에 구현하겠다는 욕망은 강렬했지만, 그것을 토착화해놓으면, 아이러니하게도, 다음 세대에겐 더욱 이어받기 어려운 모순적 존재, 결함이 또렷이 드러나는 존재, 비판을 통해 극복의 대상으로 지목당하고 그 성취를 부정당하기 십상인 존재가 됐다. 그러한 세대적 부정과 재부정의 양상은, 뒤늦게 서구의 원근법적 세계관과 유화 기법 등을 받아들인 일본의 경우도 크게 다르지 않았다. 예컨대, 서구의 리얼리즘에 화답해 신일본화를 주창한 오카쿠라 텐신(岡倉天心, 1863-1913)과 그를 추종해 특유의 몽롱체 화풍을 발전시킨 화가들은, ‘일본적인 것은 평면적인 것이다’라는 문제의식을 앞세운 후대에 의해 역사적 성취를 간단히 부정당했다.

한국전쟁 이후 북조선에서 전개된 조선화 논쟁과 그를 통한 숙청의 과정은, 그러한 부정의 변증법이 어떠한 극단에 치달을 수 있는지 잘 보여줬다. 1953년 휴전 이후, 한때 소비에트 스타일의 사회주의 리얼리즘 교육이 실시되는가 싶었지만, 김용준(1904-1967)과 정종여(1914-1984) 등의 전통주의자 미술인들에 의해 친러시아파와 친중국파, 그리고 남로당계 미술인들이 차례로 숙청됐고, 섣부르게 서구적 리얼리즘에 의거해 변증법적 한국미술사를 주창했던 이여성(1901-?)과 그의 가르침을 따랐던 이쾌대(1913-1965)의 경우, 주요 직책에서 제거되는 데서 그치지 않고 비극적 최후를 맞아야 했다. (식민사관에 부분적으로 부합하는 ‘조선 미술의 퇴화’를 이야기한 것은, 정녕 죽을 죄였나?) 반면, 평양미술대학의 강좌장으로서, 서화의 전통과 사회주의 리얼리즘과 모더니즘의 형식주의를 적절히 융합해보고자 했던 김용준은, 1960년대 중반 주체사상의 형성 과정을 잘 읽지 못했던듯하고, 일설에 의하면, 1967년 자살로 생을 마감했다고 한다. (권력 투쟁의 과정에서 동지인 정종여에게 밀려날 때, 김용준은 어떤 생각을 했을까?)

서구의 리얼리즘에 상응하는 것이 구현되면, 그를 통해 형성-강화된 민족주의적 잣대를 따르는 후속 세대는, 아이러니하게도 그것을 비판하고 부정하게 되는 경향이 강했다. 흥미롭게도 그러한 패턴은, 모더니즘의 전개 과정에서도 유사한 양태로 반복됐다. 서구(혹은 근대화한/현대화한 일본)의 모더니즘에 상응하는 것이 구현되면, 그것은 서구(혹은 근대화한/현대화한 일본)의 가치를 무비판적으로 추종한 결과로 비판받았고, 결국 매 주요 변곡점에서 모더니즘은 전통(종종 지역주의나 지역색)과 결합하는 양상을 띠었다. 예컨대, 한국식 앵포르멜 운동은 1960년의 4.19혁명과 맞물리며 고색추상의 경향을 띠었고, 재차 그것은 1972년의 유신 이후 내면에 침잠하는 의사-선비적 수신론(修身論)과 결합하며 보수화의 길을 걷더니, 1975년에 이르면 식민기 조선미론의 전후 업데이트 버전으로 독해되는 백색/단색조 담론으로 확장하는 양태를 드러내게 된다.

반면, 1979년 조직된 ‘현실과 발언’과 ‘광주자유미술인협의회’, 그리고 1982년 결성된 ‘두렁’과 ‘임술년’ 등에 의해 전개된 민족민중미술운동은, 전후의 추상미술에 대비되는 사회적 리얼리즘의 양태로 출발해, 반외세적 시각을 담은 민족/민중-역사화(해방 40주년이었던 1985년, 시민사회와 대학사회로부터 상당한 반향을 얻었던)와 민중-전통에 의거한 해방의 비전을 제시하는 대형 걸개그림의 제작 등으로 다각화했다. 한데, 1987/88년에 정점에 달했던 민족민중미술운동은, 이념적으로는 분명한 몇몇 계열을 통해 전개됐을지 몰라도, 양식적으로는 다양한(때로 내용에 모순이 되는) 시도를 포괄하는 불분명한 것이기도 했다. 국내의 투쟁적 시각에서 벗어나, 보다 큰 세계미술사의 차원에서 보자면, 비평적 이미지의 동시다발적 귀환은, 탈식민 국가의 모더니즘에 대항하는 전투적 포스트모더니즘의 대두로 해석될 수도 있었다; 그리 되지는 않았지만.

과연, 리얼한 것을 추구하려는 충동과, 모던한 것, 혹은 모더니티를 추구하려는 충동은, 서로 무관한 것일까? 그 두 가지가 같은 시공을 분할하며 상충하고 또 뒤엉키는 현상은, 무엇을 의미하는 것일까? 동시대성은, 그 두 가지가 뒤엉킨 뿌리에서 피어난 꽃은 아니었을까? 왜 여전히 한국현대미술사 연구의 대개는, 모더니즘과 리얼리즘 진영의 상호 부정적 반목을 그대로 따르고 있을까? 통합적 시각으로 한국/현대/미술의 역사를 연구하고 논하려면, 어떤 노력을 기울여야 하는 것일까?

한국현대미술사가 보잘 것 없다고 여기는 미술인들이 적지 않지만, 제2차 세계대전 이후에 독립한 국가 가운데 한국처럼, 전통화의 계승, 유화로 대표되는 서양화법의 도입, 전통화의 현대화, 추상 미술 운동, 그리고 그에 대립각을 세운 신구상화의 대두, 설치 미술과 뉴 미디어 아트의 전개, 그리고 미디어 믹스의 새로운 실험에 이르는 다층적 미술 실천의 드라마틱한 흐름을 자산으로 보유한 경우를 찾기는, 의외로 쉽지 않다.

이웃나라 일본의 경우, 서양과 당대적으로 교유하는 예술이 등장한 과정을 설명할 때면, 늘 세 가지 기점이 강조된다: 첫째는 패전이 확정된 1945년 8월 이후의 문화적 상황(네오 다다, 플럭서스 등 아방가르드 예술이 발흥)이고, 둘째는 도쿄 하계 올림픽이 열린 1964년 10월 이후의 문화적 상황(경제적 풍요를 바탕으로 새로운 국제성을 지닌 1930년대생 예술가들이 문화의 전면에 드러남)이며, 셋째는 도쿄 대학 야스다 강당 공방전(학생 혁명의 패배를 상징하는 사건)이 종료된 1969년 1월 이후의 문화적 상황(좌파 이데올로기가 퇴색하며, 예술의 형이상학적 전개가 이뤄짐)이다.

과거 일본의 식민지였던 한국도, 비슷하지만 다른 방식으로, 서양과 당대적으로 교유하는 예술이 등장한 과정을 설명할 수 있다. 강조할만한 세 기점은 이렇다: 첫째는 1960년의 4.19 혁명과 1965년의 한일 외교 정상화 이후의 문화적 상황(전후 모더니즘의 형성과 실험예술의 발흥)이고, 둘째는 1987년 6월의 민주화 대투쟁(민주화의 목표가 부분적으로 성취되며, 문화적 다양성이 대두됨)과 1988년 9월의 서울 올림픽 대회(이후의 경제적 풍요를 바탕으로 유사-포스트-모던 예술이 등장하고, 미술계에도 소위 ‘386세대의 앙팡테리블’이 예술계의 전면에 등장함) 이후의 문화적 상황이며, 셋째는 1997년 12월의 IMF관리체제 수용으로 대표되는 경제 위기 이후의 상황(유학 자유화 세대가 대거 귀국하며 급격한 세대교체가 이뤄지고, 그에 이어 전지구화 시대에 부합하는 미술 실천이 일반화함)이다.

하지만, 기대 감소의 시대를 맞은 2016년 오늘의 한국에서, 전지구화 시대의 가치에 부합하는 동시대적 미술이 여전히 유효할까? 만약 아니라면? 국립현대미술관의 영문 이름은, 과천관 설립 이후 한동안 ‘내셔널뮤지엄오브컨템퍼러리아트(National Museum of Contemporary Art)’였다. 서울관 개관 준비 과정에서 ‘울(ULL)’이라는 묘한 이름이 제시되기도 했지만, 2013년 신규 통합 MI를 발표하면서 개칭돼 지금의 ‘내셔널뮤지엄오브모던앤드컨템퍼러리아트(National Museum of Modern and Contemporary Art)’가 됐다. 미래 세대는 어떤 영문 이름이 국립현대미술관에 적당하다고 생각할까?

03. 삼부작 ‘강의 퍼포먼스’는, ‘동시대적인 것’을 첫 번째로, ‘리얼한 것’을 두 번째로, ‘모던한 것’을 세 번째로 다룰 예정이다. 일정은 다음과 같다.

어둠 속에서 이야기하는 전후 한국/현대/미술 제1부: ‘동시대적인 것’에 관해
2016년 9월 30일 금요일 오후 2시-4시 국립현대미술관 과천관 대강당

어둠 속에서 이야기하는 전후 한국/현대/미술 제2부: ‘리얼한 것’에 관해
2016년 10월 28일 금요일 오후 2시-4시 국립현대미술관 과천관 대강당

어둠 속에서 이야기하는 전후 한국/현대/미술 제3부: ‘모던한 것’에 관해
2016년 11월 25일 금요일 오후 2시-4시 국립현대미술관 과천관 대강당

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+ 관람을 희망하시는 분은, 학예연구1실 안정문 큐레이터님의 이메일로 참석 의사를 알려주십시오. 선착순 접수입니다: jungmoonahn@korea.kr

# by Mikka_L | 2016/09/30 14:00 | _ art | 트랙백 | 덧글(0)

2016년 09월 24일

캐스린 데이비스 좀머 감독님과 닐리 도슨 감독님과의 GV 토크 질문지(초안)

캐스린 데이비스 좀머 감독님과 닐리 도슨 감독님과의 GV 토크 질문지(초안)

안녕하세요? 먼저 관객 여러분께 각자 간단히 자기소개를 해주실 수 있을까요?

두 분은 2001년도에 영화의 제작을 시작한 것으로 압니다. 왜 어떻게 블랙마운틴컬리지에 관심을 갖게 됐나요?

영화를 제작하기 전에 조사 연구 과정이 필요했을 텐데요, 작업의 전개 과정을 알고 싶습니다.

이미 주요 참여자들이 사망한 상태에서 증언을 수합하는 일이 쉽지는 않았을 듯합니다. 촬영 결과물을 갖고 최종 편집본을 만드는 후반기 작업 과정에서 편집 방식에 대한 고민이 있었을 텐데, 보면 아주 평이하게 마치 책을 프레젠테이션하는 것처럼 이야기를 전달합니다. 보다 드라마틱한 구조를 고려해보지는 않았는지요?

영화를 만들 때, 누구나 한 번쯤 타깃 오디언스를 생각해보게 됩니다. 이 영화는 어떤 관객을 염두에 두고 제작했나요?

닐리 도슨(Neeley Dawson) 씨와 캐스린 데이비스 좀머(Cathryn Davis Zommer) 씨의 협업은 어떻게 이뤄지나요? 지속적 대화? 대화는 별로 필요 없는, 상호 신뢰에 근거한 분업?

블랙마운틴컬리지는 1933년 설립됐다가 1957년에 사라졌습니다. 1919년에 설립돼 1933년에 사라진 바우하우스, 1938년 설립됐다가 1949년 IIT에 흡수된 시카고바우하우스, 그리고 1953년 설립됐다가 1968년에 사라진 울름조형대학(Hochschule für Gestaltung Ulm)과 비교하지 않을 수 없죠. / 블랙마운틴컬리지는 여러 면에서 바우하우스의 영향을 받았지만, 게잠트쿤스트베르크(gesamtkunstwerk: 총체예술)를 추구하는 종합적인 커리큘럼을 수립하지 않고 보다 자유로운 운영 방식을 취했습니다. 역시, 존 듀이의 교육 철학에 영향을 받은 것일까요? 라슬로 모호이너지의 시카고바우하우스도 존 듀이의 사상에 영향을 받았지만, 보다 엄격한 컬리큘럼을 고수했는데. 블랙마운틴컬리지의 자유방임주의는 어떻게 형성-유지됐던 것일까요?

블랙마운틴컬리지는 유럽의 아방가르드를 미국 동부로 유입해 전파하고, 또 그 과정에서 미국식 전후 모더니즘의 탄생에 기여한 학교입니다. 하지만, 처음엔 롤린스칼리지에서 교수직을 박탈당한 존 앤드루 라이스(John Andrew Rice), 시어도어 드라이어, 프레데릭 조지아와 랠프 론스베리 등 4인이 1933년 의기투합해 개교한 것으로 압니다. / 블랙마운틴컬리지를 설립한 존 앤드루 라이스는 감리교 목사(Methodist minister)의 아들로, 학교의 근간을 만들었지만, 1940년에 교수진의 요구에 의해 사임했습니다. 쫓겨난 셈인데... 그는 어떤 인물이었고, 왜 밀려나게 됐을까요? 그가 밀려난 다음, 학교는 에덴 호수 캠퍼스를 마련하게 됩니다. YMCA의 빌딩 시절과 에덴 호수 캠퍼스 시절의 가장 큰 차이는 무엇인가요?

요제프 알버스와 아니 알버스는 필립 존슨의 주선으로 1933년 블랙마운튼컬리지에 왔습니다. 즉, 나치의 발흥으로 인한 유럽인들, 특히 유대계 유럽인들의 이주가 블랙마운틴컬리지에도 큰 영향을 미쳤죠. 요제프 알버스와 아니 알버스에게 블랙마운틴컬리지는 어떤 기회의 장이 됐을까 생각해보곤 합니다. 그들은 독일인 학생들과 미국인 학생들의 문화적 차이에 어떻게 적응했을까요?

발터 그로피우스는 하버드 건축과에서 비교적 평안하게 활동했고, IIT(일리노이공대) 건축과에 자리를 잡은 루트비히 미스 반 데어 로에는 필립 존슨의 도움을 받으며 미국에서 크게 성공했지만, 모호이너지는 시카고에서 고생을 하다가 심장마비로 세상을 떴습니다. 알버스 부부는 왜 블랙마운틴컬리지를 선택했을까요? 1949년 학교를 떠날 때 어떤 생각을 했을까요? 1950년 예일의 디자인 학과장이 된 요제프 알버스에게 블랙마운틴컬리지에서의 경험은 어떤 자산으로 남았을까요?

블랙마운틴컬리지에서 공부한 로버트 라우션버그(Robert Rauschenberg)가 나중에 스타가 되자, 사람들이 요제프 알버스에게 라우션버그의 학창 시절에 대해 물었습니다. 알버스의 답은, “그런 학생이 기억나지 않는다”였다고 하죠. 알버스는 왜 라우션버그가 기억나지 않는다고 했을까요? 라우션버그는 알버스를 “미국에서 가장 위대한 스승(the greatest disciplinarian in the United States)”이라고 칭송했는데.

이 영화는 로버트 라우션버그를 중요하게 다루지 않았습니다. (훗날 그의 부인이 된 수전 웨일[Susan Weil]도 블랙마운틴에서 공부했는데.) 이유가 있나요?

1951년 라우션버그는 블랙마운틴칼리지에서 백색 회화 연작을 제작하고, 그것에 자극을 받은 존 케이지는 1952년 4′33″를 작곡합니다. 영화에서 이 이야기를 다뤄볼 법도 했는데, 다루지 않았습니다. 역시 이유가 있나요?

영화에서 블랙마운틴컬리지와 연관된 이들의 작품 이미지가 잘 나오지 않습니다. 저작권 문제 때문인가요?

한때 미국인들은 유럽의 모더니즘을 배워 새로운 것을 만들어내는 일에 열심이었습니다. 하지만, 블랙마운틴컬리지를 봐도, 알버스 부부가 떠난 뒤, 1951년이 되면 벌써 문학을 중심으로 학교의 분위기가 바뀌게 됩니다. 즉, 1950년대가 되면 총체예술 같은 것은 시들해지고, 각 분야는 전문화의 길을 걷게 됩니다. 1950년대의 현대음악계를 조형해낸 다름슈타트신음악하계코스(Darmstadt International Summer Courses for New Music) 같은 프로그램도 그러한 전문화의 추동을 잘 보여준다고 생각합니다. 블랙마운틴컬리지 같은 학교의 유효 기간은 짧을 수밖에 없었을까요?

요즘의 미국현대예술계는 왜 외래문화를 받아들이는데 인색할까요?

21세기는 전문화의 시대는 아닌 것 같습니다. 어쩌면 오늘의 우리에겐 다시 새로운 교육 플랫폼이 필요할 수도 있겠죠. 두 분은 <온전히 깨어나: 블랙마운틴칼리지>를 통해 오늘의 청년들에게 어떤 메시지를 던지고 싶었나요?

두 분도 학교에서 학생들을 가르치시는지 궁금합니다.

꼭 하시고 싶은 말씀이 있다면?

청중 질문 받겠습니다.

귀한 시간 내주셔서 감사합니다. ///

*미교열 원고입니다. 퍼옮기지 마시길 부탁합니다. (링크와 RT는 환영합니다.)

# by Mikka_L | 2016/09/24 10:43 | 트랙백 | 덧글(0)

2016년 09월 07일

{2016년 현대백화점 문화센터 가을 학기 _ 강의 계획}

오는 9월 7일부터 현대백화점(압구정 본점) 문화센터 "오늘의 미술이 말하는 법"을 강의합니다. 귀한 자리를 마련해주신 여러분께 감사합니다. ^^ 수강 신청 안내는 홈페이지나 전화(02-549-4560)를 이용해주십시오.

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{2016년 현대백화점 문화센터 가을 학기 _ 강의 계획}

임근준의 ‘오늘의 미술이 말하는 법’
: 열쇳말로 살펴보는 현대미술문법 12강

“현대미술의 기초 문법을 배우면, 막혔던 눈과 귀가 열린다.”

(강의 소개 _ 짧은 버전)

르네상스의 화가들이 원근법을 활용해 공간을 구성하고 그에 이러저러한 사물과 인물을 상징적으로 배치해 관객에게 이야기를 걸었다면, 오늘의 현대미술가들은 저마다의 방법을 개발해 관객에게 조형 차원의 사고 전환이나 관점의 (불)명료화를 제안합니다. 방법론이 제각각이다보니, 현대미술의 난해함은 가중되고, 글쓰기도 더욱 어려워집니다. 현대미술 작품 하나를 놓고도 해석이 분분하기 일쑤인 터라, 대개의 평자들은 문제적 작품을 구체적 언어로 해설하기 꺼립니다. (훗날 자신의 해석이 틀렸거나 편협했음이 드러나면 난처하기 때문이죠.) 상황이 이러하니, 역시 최선의 방도는, 작가들이 고안해낸 제각각의 조형언어를 종류별로 갈무리하고, 그 메소드의 요체를 구체적 작업 사례를 통해 공부해보는 일입니다. 그러면, 작품을 보는 눈도 생기고, 또 이해도도 높아지지 않겠습니까? (외국어의 기본 문법을 터득하면, 독해 능력이 저절로 향상되듯이.) 그래서, 이 연강의 제목은 “오늘의 미술이 말하는 법”입니다.

01 양차대전 사이의 추상
- 자연의 추상에서 탈자연의 추상으로
02 전후의 추상
- 부재의 추상에서 과정의 추상으로
03 광기
- 비이성적 에너지를 창작의 원천으로 삼기
04 말장난
- 언어로 조형을 유희하기
05 색상
- 감성적 상징에서 비주관적 탐구의 대상으로
06 사진
- 사진술을 활용하는 다양한 현대적 방법
07 수집과 조사연구
- 유사 과학적 방법으로 작품을 귀결 짓기
08 비기념비
- 기념비를 반대함으로써 또 다른 기념비를 세우기
09 제도 비평과 장소 특정성
- 미술 전시의 조건을 작품의 일부로 삼기
10 전유 혹은 도둑질
- 재능은 빌리고, 천재는 훔친다
11 미술가의 몸
- 에고의 성전을 부리는 예술적 방법
12 (상징 형식으로서의) 인터페이스
- 제품의 형식으로 사용자 마인드에 소구하기

_ 강사: 임근준 aka 이정우

미술·디자인 평론가 _ 1995년부터 2000년까지 LGBT운동가로 활동했고, 이후 계간 공예와 문화 편집장, 한국미술연구소/시공아트 편집장, 월간 아트인컬처 편집장 등으로 일했다. 현재 <현대미술의 끝: 좀비 모던 시대의 예술 생존법>(가제)을 출간 준비 중이다.

_ 강의 소개 (긴 버전)

‘현대미술이 전시된 갤러리를 찾으면 알게 모르게 주눅이 들어요-’라고 말씀하는 분들이 적잖습니다. 그도 그럴 것이 현대미술을 이해하기가 그리 쉽지만은 않기 때문이죠. 하지만, 불가해한 듯 뵈는 현대미술품 앞에서 세련된 척하며 폼을 잡는 사람들을 보고 “나만 이해를 못하나…, 내 눈에만 안 뵈는 뭔가가 있나…”라고 생각하면 오산이랍니다. 문제적인 작품은 미술계 관계자들도 전연 이해를 못하는 경우가 많습니다. 큐레이터조차 자신이 기획한 전시의 작품을 하나하나 다 꾀고 있지는 못합니다. 그렇다고 작가가 직접 나서서 작품을 해설하면 곤란합니다. 그러면, 작품이 말할 기회를 작가가 빼앗는 꼴이 되고 말거든요. 그러니, 말이 없는 작품을 가운데 놓고, 작가는 작가대로 힘들고, 관객은 관객대로 힘이 드는 형국입니다. (중간에 나서서 작품 해설을 도맡은 도슨트의 설명은 영 신뢰가 가지 않고요.)

현대미술이란 상상의 공동체는 세상을 보는 방법을 놓고 다투는 격전장에 다름 아닙니다. 고로 작가들이 골머리를 썩어가며 찾아낸 새로운 ‘보는 방법’이 단박에 이해될 턱이 없죠. 현대미술을 쉽게 이해하는 지름길이 있을까요? 아쉽게도, 왕도는 없습니다. 시대의 집단 지성이 흘러가는 조류를 쫓아 열심히 공부하는 수밖에요. 어떤 분은 묻더군요, “서양미술사를 소개하는 교양·입문서들을 읽어보면, 이해하기에 그리 어렵지 않은데, 왜 현대미술엔 그런 책이 드문가요?” 듣고 보니 그렇더군요. 아마도, 그런 교양서를 쓰기 어렵기 때문일 겁니다.

르네상스 이후의 원근법 회화를 분석하고 기술하는 방법은 잘 정리돼있습니다. 천재 미술사학자 에르빈 파노프스키(Erwin Panofsky)가 제시한 도상해석학(iconography)이 대표적입니다. 추상미술운동 이전의 회화사는 그가 갈무리한 방법론으로 관통이 가능합니다. 도상해석학에 기반을 둔 채 진척된 학술연구의 성과도 상당하죠. 대중이 쉽게 이해할 수 있는 문장으로 꾸며진 교양·입문서는 그런 토대 위에서나 가능합니다.

그런데, 현대미술은 구상회화조차 도상해석학으로는 해석이 되지 않는 경우가 태반입니다. 그렇다고 현대미술사를 연구하는 새로운 방법론이 확립된 것도 아닙니다. (논문을 쓰는 사람들마다 방법론이 제각각입니다.) 게다가, 1945년 이후의 현대미술에 관해선, 아직도 주요 작가들이 생존해 있기 때문에, 학위 논문이 잘 나오지 않습니다. (살아있는 사람은 자신에 관한 논문에 어떤 식으로든 간섭을 하기 마련이지 않겠어요?) 그러니 독보적 권위를 얻은 현대미술사 저작이 아직 없습니다. 정전(canon)이 없다는 말씀입니다. 게다가 1960년대 후반 이후 지성계의 흐름은 정전을 쓰는 일을 터부시했기 때문에, 아예 시도조차 하지 않는 분위기입니다. 토대가 아직 빈약하니, 교양·입문서도 실하기 어렵습니다.

그렇다면 어떻게 해야 좋을까요? 묘수가 없을까 고민하다 보니, 현대미술가들이 구사하는 시각언어를 쉽게 해설해보면 좋겠다는 생각이 떠올랐습니다. 르네상스의 화가들이 원근법을 활용해 공간을 구성하고 그에 이러저러한 사물과 인물을 상징적으로 배치해 관객에게 이야기를 걸었다면, 오늘의 현대미술가들은 저마다의 방법을 개발해 관객에게 조형 차원의 사고 전환이나 관점의 (불)명료화를 제안합니다. 방법론이 제각각이다보니, 현대미술의 난해함은 가중되고, 글쓰기도 더욱 어려워집니다. 현대미술 작품 하나를 놓고도 해석이 분분하기 일쑤인 터라, 대개의 평자들은 문제적 작품을 구체적 언어로 해설하기 꺼립니다. (훗날 자신의 해석이 틀렸거나 편협했음이 드러나면 난처하기 때문이죠.) 상황이 이러하니, 역시 최선의 방도는, 작가들이 고안해낸 제각각의 조형언어를 종류별로 갈무리하고, 그 메소드의 요체를 구체적 작업 사례를 통해 공부해보는 일입니다. 그러면, 작품을 보는 눈도 생기고, 또 이해도도 높아지지 않겠습니까? (외국어의 기본 문법을 터득하면, 독해 능력이 저절로 향상되듯이.) 그래서, 이 연강의 제목은 “오늘의 미술이 말하는 법”입니다.

자, 앞으로 ‘오늘의 미술이 말하는 법’ 가운데 무엇을 어떻게 강설하면 좋을지 한번 정리해봤습니다. 강의가 진행되면서 계획이 변경될 수도 있겠지만, 현재 예상하는 바는 이렇습니다:

제1강과 제2강에선 현대미술의 기본인 추상미술을 공부합니다. 추상미술은 크게 두 갈래로 나눠 볼 수 있습니다. 우선, 중고등학교 미술 교과서에 나오듯, 구상에서 출발해 반추상을 거쳐 추상에 도달한 것이 바로 한 가지입니다. 그런데 그것도 대상을 추상화하다보니 점차 과정을 추상화하는 단계로 전환됩니다. 그러다가 아예 관조의 대상으로서의 추상이 아니라, 물질 그 자체, 그러니까 그림과 조각이 되는 물적 토대만 남기고 나머지 환영의 요소는 모두 제거해 버린 새로운 추상이 등장합니다. 그것이 바로 미국의 미니멀리즘 미술입니다. [...] 저는 추상을 ‘얼음지옥’이라고 표현하곤 합니다. 통과하기 무척 어렵지만, 일단 통과하면 나머지 현대미술을 이해하기가 쉬워집니다. (‘얼음지옥’ 너머엔 후끈한 ‘정글’의 동시대가 여러분을 기다리고 있습니다.) 반대로, 추상을 이해하지 못하면, 현대미술은 요해불가(了解不可)의 것이 되고 말죠.

시간이 허락한다면 말미에 오늘의 추상도 살펴볼 생각입니다. 한때는 미니멀리즘 이후 더 이상 추상미술이 갈 곳은 없을 것 같았고, 또 그에 반발하며 신구상회화와 설치미술이 새로운 주류로 떠올랐기 때문에, 여전히 추상 미술이 유효한 의제(agenda)라는 사실을 잘 모르는 분들이 많더군요. 심지어 미술학교에서 회화를 전공하는 학생들도 잘 알지 못합니다. 요즘의 새로운 추상화가들은 가상적 회화 공간을 설정하고, 그 속에서 자가생성하는 추상의 질서를 탐구하는 것이 특징이죠.

제3강에선 광기를 다루는 방법을 보겠습니다. 광기는 이성을 넘어서는 힘의 원천입니다. 정신병자의 그림에서 한수 배운 작가가 있는가 하면, 스스로를 극한으로 몰아붙여 반쯤 미쳐버린 작가도 있고, 미치지는 않았지만 미친 짓에 가까운 행위를 시도함으로써 남다른 넌센스와 아이러니를 구현한 작가도 있습니다. 그렇다면, 광인의 이미지를 지닌 예술가의 전형은 언제 어떻게 등장했을까요?

제4강에선 말장난의 방법을 공부하겠습니다. 많은 작가들이 언어유희로 비언어적 조형의 차원을 가지고 놀기를 꿈꿨습니다. 또한 조형과 언어의 일상적 관계를 비틀어 새로운 돌파구를 찾기도 했습니다. 단순한 제목의 말장난에서부터, 언어로 창작 행위를 규제하는 다양한 방법, 그리고 ‘언어에 연루된 오브제를 언어에 종속시키지 않은 채 다른 차원의 오브제로 전환시킴으로써 궁극의 조형적 쾌락을 추구하는 법’ 등에 이르는 다채로운 말장난의 메소드를 소개합니다.

제5강에선 색상을 다루는 법을 배워보겠습니다. 중·고교 미술 교과서에서 ‘형태는 논리적인 것이고, 색채는 감성적인 것’이라고 가르칩니다만, 사실은 그렇지 않습니다. 또 얼치기 색채심리학 때문에, ‘색채는 비물질적인 것으로서 우리의 무의식에 연루된다’는 식으로 이해하는 분들도 적지 않습니다. 그것도 진실은 아닙니다. 모든 색채는 물질의 형태로 존재합니다. 심지어 인공물의 색채는 레디메이드입니다. 공장에서 미리 만들어 놓은 색상의 체계는 유행과 생산 조건에 따라 지속적으로 변화합니다. 따라서 현대미술가들은 감성을 표출하는 도구로 색채를 이용하는 것 외의 다양한 방법으로 색상의 실존을 다뤄왔습니다. 행위를 기록하는 코드로 이용한 사람도 있고, 색상 그 자체를 탐구하는 도구로 색상을 이용한 작가도 있습니다.

제6강은 사진을 활용하는 다양한 현대적 방법을 이야기할 차례입니다. 사진은 다른 전통적 매체와 달리 여러 매체를 통해 존재하는 특성이 있습니다. 보관을 할 때도 필름이 원본인지, 프린트가 원본인지, 스캔한 데이터가 원본인지 도통 알 길이 없죠. 그러한 특성 때문에 사진은 개념미술가들에 의해 각광 받았습니다. 매체에 귀속되지 않는 미술 작품을 만드는 데 아주 적절했거든요. 사진은 행위와 퍼포먼스 등의 기록으로도 중요한 역할을 했고, 포스트모던의 시대에 구상 회화가 새롭게 부활하는 과정에서도 결정적 역할을 했습니다.

제7강에선 수집과 조사연구의 방법을 공부합니다. 많은 현대미술가들은 수집과 조사연구에 기반을 둔 작업을 즐깁니다. 수집한 오브제를 박물관의 맥락으로 배치해 헛의미를 창출하는 작가들이 있는가하면, 유사-과학적 방법으로 탈인간적인 작업을 귀결 짓는 작가들도 있고, 심지어 부동산을 수집해 작품을 제작한 작가도 있습니다. 그런데, 오늘날 적잖은 작가들이 수집과 조사연구를 통해 얻은 데이터를 바탕으로 스킨의 구조를 만듭니다. 스킨과 데이터베이스를 연동시켜 새로운 의미를 창출하려는 것이죠. 만화와 애니메이션에만 오타쿠(オタク)가 있는 것은 아닙니다. 미술에도 오타쿠 같은 이들이 있어서, 데이터베이스에서 서사를 다중 호출하는 스킨을 만들고 그를 통해 의사소통을 꾀하는 경우가 있습니다. 어떤 현대미술가는 ‘오타쿠에게 한수 배울 점이 있다’고 이야기하는데, 대체 무슨 뜻일까요?

제8강은 비기념비를 세우는 방법을 다룹니다. 기념비를 반대함으로써 또 다른 기념비인 비기념비를 세우는 일은, 전후 현대미술에서 중요한 의제 가운데 하나였습니다. 허술한 키치적 기념비로 비기념비를 세운 작가도 있고, 불가능한 기념비의 계획을 세워 비기념비적 미완의 작업을 완성한 작가도 있으며, 상상 속의 기념비를 실물로 제작하고, 그 과정에서 발생한 부산물을 작품으로 제시한 작가도 있습니다. 어떤 경우든, 기념비를 세우는 일을 죄악시한다는 점은 같습니다.

제9강에선 제도 비평의 방법과 장소특정성을 이야기합니다. 1980년대 말 이후 미술 제도와 장소의 조건을 작품의 일부로 삼아 미술을 둘러싼 권력을 비평하는 다양한 방법이 개발됐습니다. 큐레이터가 끊임없이 관리해야 작품이 완성되는 작품을 제시한 작가도 있고, 작품 제작비로 청소부 아저씨를 해외로 여행 보내고 대신 여행 사진을 제공받아 작품으로 제시한 작가도 있습니다. 왜 이런 작업을 하는 것인지, 하나하나 설명해보겠습니다. 여기에서 중요한 점은, 장소특정적 미술이 문제로 삼는 ‘장소’란, 실제의 장소를 이론적으로 재해석해낸 특정한 차원을 의미한다는 사실을 이해하는 것입니다.

제10강은 남의 것을 훔쳐다가 제 작업의 몸통을 꾸미는 방법을 논합니다. 오스카 와일드가 “재능은 빌리고, 천재는 훔친다”고 했던가요. 남의 사진을 다시 촬영해 제 작업이라고 우기는 작가에서, 기존의 디자인을 그대로 답습해 새로운 의미를 창출하는 디자이너에 이르는 다양한 사례를 통해 ‘전유(appropriation)’라고 하는 현대미술계에 만연한 방법의 다양한 전개를 해설하겠습니다. 요즘 미술가들은 전유 이후의 방법을 모색하느라 고심에 고심을 거듭하고 있죠.

제11강은 미술가가 제 몸을 어떻게 미술의 미디엄으로 삼는지, ‘미술가의 몸’이라고 하는 ‘에고의 성전’을 부리는 다종다양한 예술적 방법을 고찰하고 분석합니다. 출발점은 몸을 붓으로 삼은 추상표현주의의 대가 잭슨 폴락입니다. 폴락의 액션 페인팅에 대한 화답으로 등장한 여러 남녀 미술가의 성과를 냉정하게 평가해봅니다.

제12강은 제품의 형식으로 소비자 마인드의 관객에게 소구하는 법을 살펴봅니다. 기성 제품으로 제작된 작품에서, 진공청소기의 형태로 제작된 작품, 그리고 작품으로 제시된 승용차에 이르기까지, 다양한 사례를 통해 현대미술에서 제품의 인터페이스가 일반적 상징 형식으로 기능하는 방식을 설명하겠습니다. 강의의 문을 여는 키워드는 기생-기능성(para-fuctionality)입니다.

자, 앞으로 전개될 열두 번의 연강, 꽤 재밌는 미술 공부가 되지 않겠습니까? ///

*강의 프로그램 일부는 진행 과정에서 수정될 수 있습니다. 미리 양해를 구합니다.

# by Mikka_L | 2016/09/07 12:25 | _ art | 트랙백 | 덧글(0)

2016년 09월 06일

9월 25일 13시, 15시, 17시에는 메가박스 파주출판도시에서 제가 추천한 세 작품을 줄줄이 상영하고, 이어서 제가 세 작품에 관해 이야기하는 토크쇼 시간을 갖습니다

9월 25일 13시, 15시, 17시에는 메가박스 파주출판도시에서 제가 추천한 세 작품을 줄줄이 상영하고, 이어서 제가 세 작품에 관해 이야기하는 토크쇼 시간을 갖습니다. 저 혼자 강설하면 저 자신으로선 재미가 없으니까, 패널 한 분을 모시고 싶기도 한데요, 블랙 마운틴 컬리지, 블랙 화이트 + 그레이, 게르하르트 리히터의 회화, 이렇게 세 편을 모두 이야기해주실 분을 찾기가 쉽지 않네요. 좀 더 고민해보려고 합니다.

상영 시간표: http://dmzdocs.com/screening-schedule?schedule-date=2016-09-25

# by Mikka_L | 2016/09/06 01:57 | _ art | 트랙백 | 덧글(0)

2016년 09월 06일

9월 24일 19시 30분에 메가박스 백석에서 <블랙 마운틴 컬리지>의 상영이 있고, 이어서 캐스린 데이비스 좀머(Cathryn Davis Zommer) 감독님과 닐리 더슨(Nee

상영 시간표: http://dmzdocs.com/screening-schedule?schedule-date=2016-09-24

9월 24일 19시 30분에 메가박스 백석에서 <블랙 마운틴 컬리지>의 상영이 있고, 이어서 캐스린 데이비스 좀머(Cathryn Davis Zommer) 감독님과 닐리 더슨(Neeley Dawson) 감독님 두 분을 모시고 좌담을 진행할 예정입니다. 전후 미국현대미술을 조형해낸 전설의 학교, 블랙 마운틴 컬리지에 대해서 배울 드문 기회가 되리라 믿습니다. 많은 관심을 부탁드려요. ^^

# by Mikka_L | 2016/09/06 01:56 | _ art | 트랙백 | 덧글(0)

2016년 09월 06일

[DMZ국제다큐영화제_다큐초이스] 작품 선정의 변 _ 임근준 AKA 이정우

[DMZ국제다큐영화제_다큐초이스] 작품 선정의 변 _ 임근준 AKA 이정우

일전에도 한 번 말씀드렸듯, 제가 어쩌다가 DMZ국제다큐영화제에 다음의 세 작품을 추천하게 됐습니다.

제임스 크럼프(James Crump) 감독의 다큐멘터리
<블랙 화이트 + 그레이: 샘 웩스타프와 로버트 메이플소프의 초상(Black White + Gray: A Portrait of Sam Wagstaff and Robert Mapplethorpe)>(2007)은, 성해방의 시기였던 1970년대와 에이즈 대위기의 시대였던 1980년대에 외설적인 인체 사진 연작으로 명성과 악명을 동시에 얻었던 사진가 로버트 메이플소프(Robert Mapplethorpe, 1946-1989)와 그의 연인이었던 사진 수집가 겸 큐레이터 샘 웩스타프(Sam Wagstaff, 1921-1987)의 남다른 삶을 조명합니다. 영화의 무게 중심은 후자에 놓여있죠.

이 다큐멘터리는, 에이즈로 일찍 생을 마감한 한 쌍, 샘 웩스타프와 그의 뮤즈 로버트 메이플소프에게 바쳐진 적절한 헌사 같습니다. 1970-1980년대의 화끈했던 뉴욕 현대예술계의 한 단면을 공부하기에도 좋은 영화죠.

미술이나 미술사 전공자 외에, 게이 여러분께 추천하고픈 영화입니다. 재미있어요.

코린나 벨츠(Corinna Belz) 감독의 다큐멘터리 <게르하르트 리히터 – 회화(Gerhard Richter-Painting)>(2011)는, 2008년의 금융 위기 이후 급변한 현대미술계의 분위기 속에서 가장 널리 사랑받은 영화 가운데 하나입니다. 현대미술 자체가 대중에게 그리 인기 있는 대상은 아니다보니, 현대미술에 대한 다큐멘터리도 크게 주목받는 일은 드물지만, <게르하르트 리히터 – 회화>는 과욕을 부리지 않고 작가가 작업하는 과정에 주목함으로써 꽤 괜찮은 호응을 얻었죠.

예술애호가 취향에 부합하는 영화입니다. 일단 완성도가 꽤 높아요.

캐스린 데이비스 좀머(Cathryn Davis Zommer)와 닐리 더슨(Neeley Dawson) 감독의 <온전히 깨어나: 블랙마운틴칼리지(Fully Awake: Black Mountain College)>(2008)는, 1933년 개교해 1957년 폐교한 미 동부(노스 캐롤라이나)의 전설적 미술학교 블랙마운틴칼리지를 되돌아보는 다큐멘터리 가운데 으뜸으로 꼽히는 작품입니다.

블랙마운틴칼리지는, 규모는 크지 않았지만, 존 듀이의 철학에 따라 혁신적 조형 교육을 실시하고자 했던 실험적/혁신적 학교였습니다. 24년이라는 짧은 역사 속에서, 이 학교는, 전후 미국현대미술의 형성과 전개 과정에 결정적으로 기여했죠.

현대미술을 금전 가치로 이야기하는 저질스러운 세태가 지겨운 분들과, 공회전을 반복하는 오늘의 엉터리 미술 교육을 근본적으로 개선/개혁하기를 꿈꾸는 사람들에게 꼭 관람을 권하고 싶어요. ///

_ http://dmzdocs.com/docs-choice/by-lim

# by Mikka_L | 2016/09/06 01:43 | _ art | 트랙백 | 덧글(0)

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